La experiencia del arte inmersivo: ¿las atracciones se consideran arte?


Desde los espectáculos Tate Modern de Yayoi Kusama hasta el recientemente inaugurado Superblue en Miami, las experiencias sensoriales abrumadoramente han arrasado las redes sociales.

Cuando la Tate Modern abrió su retrospectiva de Yayoi Kusama en 2012, los curadores probablemente sabían que sería grande. Después de todo, fue la primera gran encuesta europea de un artista conceptual innovador. Lo que no podrían haber predicho fue el frenesí global que una de las obras, “Infinity Room”, una peluquería de espejos infinitamente iluminados con luces de colores, se encendería. Casi una década después, Katy Wan, la curadora detrás de las dos nuevas versiones de Kusama de la inauguración de “Infinity Room” en el museo británico este verano, admite que el propósito de las exhibiciones revival es doble: brindar acceso a los visitantes que muerden un poco para experimentar la Las instalaciones de los artistas ahora ampliamente capturadas para sí mismos, así como también brindan un momento de pausa para “reevaluar a Kusama a la luz de su ascenso a la aclamación mundial, ayudada en los últimos años por el auge de las redes sociales”.

Sin embargo, fue la ubicuidad de las redes sociales lo que llamó la atención de las masas sobre la iteración de 2013 del Museo de Arte Moderno de los artistas Hannes Koch y Florian Ortkrass “Rain Room”. ¿Quién podría extrañar a la supermodelo Karlie Kloss estratégicamente iluminada a contraluz con una falda blanca? La leyenda de su elección que documenta su visita: “No se necesita paraguas #RainRoom”. Por supuesto, el único lugar donde uno podría haber querido uno era en la cola que daba la vuelta a la manzana durante semanas. Seguramente Karlie no tuvo que esperar como el resto de nosotros.

A medida que avanzaba la década de 2010, la popularidad de estas experiencias de arte corporal completo despegó, alimentadas por hashtags e influencers, pero también por un mundo del arte desconcertado feliz de ver un nuevo tipo de compromiso que tiene lugar en sus pasillos. Los museos quitaron sus letreros de no imágenes, que una vez habían protegido a los visitantes y a las pinturas por igual contra los males de la fotografía con flash. La molestia de la documentación fotográfica individual (detenerse, posar, hacer clic) se convirtió en el ritmo del espacio de arte y alentó nuevos encaprichamientos curatoriales. Los códigos QR se instalaron como etiquetas de pared. La gente también les tomó fotos.

Fue solo cuando alguien se molestó en preguntar si todo esto seguía siendo arte con una “A” mayúscula que la música se detuvo y surgió la vara de medir el contexto y el pedigrí para analizar a los intrusos. Las instituciones y galerías de arte existentes como David Zwirner, Jeffrey Deitch, MoMA y Tate podrían transformar sus pasillos en patios de recreo, teatros de títeres de IA de tamaño natural o jaulas gigantes para hámsters y llamarlo arte. Sin embargo, el Museo del Helado con motas salpicadas establecido en 2016 por Maryellis Bunn y Manish Vora decididamente no lo era, a pesar de que la casa de la diversión inspirada en los postres requirió el trabajo y las ideas de los artistas para que se hicieran realidad. Si solo sus propietarios se hubieran centrado en conseguir un socio de galería en lugar de patrocinadores corporativos como Dove y Tinder, tal vez hubiera sido mejor recibido por asociación. Afortunadamente para Bunn y Vora, a su base de fans no parece importarle. Su popularidad de envoltura de bloques no fue aplastada por una exposición de sus prácticas laborales abusivas, ni por una pandemia mundial. Este abril, la Junta de Turismo de Singapur anunció que el país albergará la primera iteración internacional del MoIC después de su expansión desde su sede de Nueva York a una ventana emergente de Miami. En todo caso, como estudio de caso, el MoIC demuestra cuán endeble puede ser la palabra “museo” por sí sola.

El MoIC es uno de los favoritos de la prensa en un panorama ampliado de nuevas instituciones centradas en la experiencia que cobran entradas por el privilegio de caminar dentro de los sets del tamaño de un estudio de Hollywood. El New York Times y otros medios han denominado a estas empresas emergentes como puestos de avanzada de la “economía de la experiencia”, un nuevo término que ya lleva consigo el miasmático olor a frivolidad enlatada, o peor aún, entretenimiento puro. Sin embargo, estos espacios a menudo intentan evitar este tipo de clasificación por cualquier medio necesario, incluidos los titulares de las grandes artes como L’Atelier des Lumières en París y Artechouse en Nueva York.

Meow Wolf es la excepción, al menos por su nombre. Iniciado por un grupo de artistas en Santa Fe, Nuevo México, el colectivo ha crecido durante la última década de un productor de pop-up de música y arte psicodélico estilo guerrilla a un conglomerado multimillonario de propiedades inmobiliarias. Su objetivo desde el principio fue abrir nuevas audiencias para artistas en activo cansados ​​del conservadurismo y la competitividad que parecían incrustados en las taxonomías creativas existentes. Su proyecto más reciente es “Omega Mart”, un entorno de tienda de comestibles encantada en el que se invita a los visitantes a meditar sobre las trampas del consumismo. “Si hay algo que el mundo del arte ha hecho continuamente a lo largo de los siglos, ha sido rechazar algo inicialmente por no ser lo suficientemente bueno como para ser arte”, afirma Caity Kennedy, miembro fundador de Meow Wolf y su directora creativa senior. “Entonces, cuando recibimos críticas por crear un trabajo que es demasiado entretenido o popular o, peor aún, agradable, me decepciona porque es un juicio que muestra una falta de curiosidad”.

De hecho, es fácil hacer una lista de “casas embrujadas” que han sido certificadas por el establecimiento artístico como “arte real”: Park Avenue Armory convirtió su sala de perforación en un infierno transitable de Blancanieves en 2013 para “WS” de Paul McCarthy; tres años más tarde, Pedro Reyes produjo una casa encantada política para Creative Time; y, en un proyecto financiado por Art Production en 2019, Lucy Sparrow creó una tienda interactiva de productos de fieltro. Ese mismo año, Meow Wolf anunció que iba a abrir un hotel de arte en Phoenix, mientras que Hauser y Wirth debutaron el suyo, Fife Arms, en Escocia, y Maja Hoffmann anunció la finalización de varios hoteles convenientes para su complejo de arte privado Luma Arles. . “Cualquier cosa sensorial que no tenga otra función es una forma de entretenimiento, incluso si es un desafío o un nicho”, continúa Kennedy. “Para cualquier mundo del arte, afirmar una excepción revela más sobre el alto punto de entrada de su público objetivo en lugar de lo que es el arte”.

Superblue, una nueva institución híbrida respaldada por los incondicionales del mundo del arte Pace Gallery y el disruptor tecnológico Emerson Collective, amenaza con confundir las cosas aún más. Su primera versión está a la vista en Miami, al lado de la legendaria colección privada del Museo Rubell, e incluye instalaciones de artistas de renombre internacional como James Turrell y teamLab, que atraen tanto a peregrinos del mundo del arte como a amantes de la adrenalina. Sin embargo, el proyecto no usa lenguaje como “atracciones” para describir su programación como lo hace Meow Wolf, y en su lugar planea forjar su propio vocabulario arquitectónico. Con este fin, la cofundadora y directora ejecutiva, Mollie Dent-Brocklehurst, ve el lanzamiento de Superblue como el primer experimento en un diálogo continuo impulsado casi exclusivamente por artistas que anteriormente se veían obstaculizados por los límites de la facturación y la financiación de exposiciones. Ella explica que la capacidad de crear residencias de un año y generar ventas de boletos permite a la nueva institución respaldar obras de arte inmersivas del tamaño de un sueño que las galerías y museos normales no pueden. “En última instancia, estamos aquí para servir a los artistas y ayudarlos a poner en escena sus proyectos más ambiciosos sin limitaciones”, explica Dent-Brocklehurst. Al igual que Kennedy de Meow Wolf, Dent-Brocklehurst duda de que el “arte experiencial” sea un género nuevo, prefiriendo ver Superblue como una evolución del trabajo iniciado por Land Artists, practicantes de mentalidad arquitectónica como Colette y Gordon Matta-Clark, e instituciones como Mass MoCA, The Kitchen y Armory, que siempre han prestado sus pasillos a ambiciones a gran escala.

Es cierto. Al profundizar en la historia de los espacios artísticos, es imposible marcar cuándo se volvieron experienciales. El Louvre, por ejemplo, permitió que la gente deambulara por sus pasillos cuando los artistas todavía estaban en residencia trabajando en lienzos que cubrían desde el suelo hasta el techo. El director fundador del MoMA, Alfred H. Barr Jr., fue el anfitrión de “Joe Milone’s Shoe Shine Stand” en el vestíbulo del edificio en 1942, ofreciendo a los visitantes del museo la oportunidad de pulir sus propios zapatos en el trono enjoyado del inmigrante siciliano Joe Milone. (Finalmente, Barr fue descartado por la junta por ser demasiado vanguardista). Incluso si la relación no fue reconocida en tiempo real, es imposible negar que la interactividad siempre ha sido fundamental para los espacios de arte y su éxito. Quizás esto signifique que el dominio actual de las redes sociales en las conversaciones es solo una fase, un dolor creciente que pronto colapsará en nuestra comprensión de estas instituciones. Si el pasado es una indicación, los artistas tendrán que liderar el camino.

Cuando se le pregunta a Leo Villareal, un artista representado por Pace Gallery con proyectos de Superblue que ya están en proceso y una carrera centrada en intervenciones públicas, se le pregunta cómo negociar el dominio de las redes sociales en estos espacios y la sensación de artimañas que crean, hace una pausa. “No me importa que la gente documente. Me gustaría que las personas tengan una experiencia en la que se sientan cómodos [do] como les plazca ”, dice. “Pero una parte de mí piensa que tal vez si las condiciones fueran las adecuadas, mi trabajo podría ser un espacio en el que quizás quieras guardar tu teléfono y simplemente estar. Luego, podría hacer lo que quiera sin sentir la presión que necesita para realizar una interacción, ya sea por el bien del trabajo o por los me gusta de las redes sociales. Lo que me hace optimista sobre Superblue es que están participando activamente en estas discusiones. La accesibilidad es una ocurrencia tardía, pero [an] ingrediente esencial en cada paso del camino desde la filosofía hasta el diseño y la financiación “.

El énfasis de Villareal en una especie de generosidad como esencial para este tipo de trabajo se refleja en una conversación con la artista Jennifer Steinkamp, ​​una veterana en este campo que comenzó el mapeo de proyección antes de que existiera el término, dando vida a sus entornos multicanal que vaporizan los límites. entre imagen y arquitectura. Steinkamp dice que la gratitud es quizás un ingrediente esencial en todo arte de instalación, porque desde el principio el artista tiene un sentido del deber como anfitrión. “Cuando estás tratando con el público, debes reconocer que has tomado medidas para manipular sus espacios. y tomar su dinero ”, dice. “Hay una cierta cantidad de generosidad que debe ser correspondida”. Steinkamp aún no está segura de lo que piensa sobre la ubicación de Superblue en Miami, pero sí sabe que las vallas publicitarias alrededor de Los Ángeles que anuncian una experiencia inmersiva de Van Goghe la vuelven loca. Ella está de acuerdo en que estos son tipos de lugares intrínsecamente diferentes, aunque Steinkamp se resiste a poner un nombre exactamente por qué los artistas vivos siempre deben participar en la creación y el mantenimiento de los espacios de arte. “Al final, todo es una cuestión de intención”, dice. “Realmente tendrías que preguntarle al artista y luego podrías encontrar la respuesta”. Si Steinkamp es una bola de cristal de tecnologías por venir, la fortuna está buscando para Superblue y Meow Wolf, siempre y cuando mantengan sus ojos en el arte.

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