Dentro de “Christian Dior: Designer of Dreams” en el Brooklyn


Hamish Bowles visita la exposición Christian Dior del Museo de Brooklyn.

Christian Dior: Designer of Dreams del Museo de Brooklyn, comisariada por Florence Müller en colaboración con Matthew Yokobosky, y diseñada con entusiasmo por Nathalie Criniere, aporta ocho décadas de gran estilo al establecimiento histórico.

La exposición incluye algunos de los dispositivos impresionantemente teatrales que Müller exploró por primera vez en la exitosa iteración de 2017 de este espectáculo en el Musée des Arts Décoratifs de París, y posteriormente en Estados Unidos en el Museo de Bellas Artes de Dallas y el Museo de Arte de Denver (donde Müller es el Curador de la Fundación Avenir de Arte y Moda Textil). Por ejemplo, hay una pared de toallitas blancas fantasmales, que refuerzan el poder de la artesanía y la mano en la alta costura de la casa, y una pared curva que contiene accesorios, ropa y encantadoras reproducciones del tamaño de una muñeca de algunas prendas icónicas de Dior brillantemente dispuestas en una sombra deslumbrante. arco iris de color.

La exposición de Brooklyn, sin embargo, se abre con una mirada fascinante a la relación de Christian Dior con Estados Unidos, y la instalación incorpora imágenes y objetos de la propia colección del museo, artísticamente seleccionados por Yokobsky, que sugieren las inspiraciones de Dior o yuxtaponen su trabajo y el de los diseñadores que lo sucedió en su casa con fuerzas creativas contemporáneas. Después de la prematura muerte de Dior, su brillante delfín, Yves Saint Laurent, de 21 años, fue designado para dirigir la casa, lo que hizo durante dos años antes de ser reclutado en el ejército para su servicio militar obligatorio, donde rápidamente sufrió un trastorno mental. desglose. En el Museo de Brooklyn se representan ejemplos de las tomas animadas y juveniles de Saint Laurent de la obra del maestro contra algunas imágenes de Marlon Brando en The Wild One, inspiración para la colección Beatnik radical de Saint Laurent de otoño de 1960 que horrorizó al establecimiento de Dior y aceleró su postergación. llamar. Saint Laurent fue sucedido por Marc Bohan, cuyos diseños elegantemente patricios estaban calculados para no asustar a los caballos y que sobrevivió como director artístico de la casa durante casi 30 años hasta 1989, cuando Gianfranco Ferré trajo su propia marca de bravura barroca italiana a Dior. La cuidadosa selección de Müller del trabajo de Bohan revela la imaginación detrás del pragmatismo silencioso de este diseñador subestimado. “Él estaba”, explica, “muy en sintonía con la cultura pop de su tiempo”.

Ferré, por supuesto, cedió a John Galliano, quien reinventó la casa para el siglo XXI con sus espectaculares pasarelas y dinámicas campañas publicitarias. Raf Simons, aunque vivió poco en la casa, dejó un legado enfático, y Maria Grazia Chiuri casó la poesía con el comercio y encontró la voz feminista de la casa.

En el sombrío febrero parisino de 1947, en una ciudad aún herida por la Ocupación, el tímido diseñador Christian Dior, de 42 años, lanzó su primera colección en una hermosa mansión Belle Epoque en la Avenue Montaigne, con el respaldo del magnate textil Marcel Boussac. . Ferozmente supersticioso, Dior había encontrado una estrella de metal en la acera y sintió que era un presagio positivo. De hecho, la colección, llamada Corolle, y rápidamente apodada “New Look” por Carmel Snow de Harper’s Bazaar, fue un éxito mucho más deslumbrante para usted de lo que jamás hubiera imaginado. El nombre Dior pronto fue sinónimo de glamour y encanto parisino y reafirmó la supremacía de la moda francesa.

Más tarde, ese año de debut, Dior fue invitado a Dallas por el legendario minorista Stanley Marcus para aceptar un premio y viajó por todo el país durante seis semanas. “Fue una revelación para mí”, señaló Dior sobre su aventura estadounidense, incluso si, en Chicago, fue recibido por mujeres de “The Little Below the Knee Club” con carteles que decían “Mr. Dior aborrecemos las faldas hasta el suelo “. Müller ha descubierto que estas mujeres estaban involucradas en la industria de la confección estadounidense, y que su protesta era proteccionista: con Estados Unidos aislado de las noticias de la moda de París durante la Ocupación, la industria de la moda del país se había desarrollado de maneras nuevas e interesantes, con una voz propia. . El debut de Dior, sin embargo, proclamó triunfalmente la supremacía del estilo francés una vez más y durante la próxima década, hasta que su prematura muerte a la edad de 52 años en 1957, los ansiosos compradores de tiendas estadounidenses y los fabricantes de la Séptima Avenida siguieron todos los diktat de Dior y pagaron altas primas. para reproducir sus modelos que luego se vendieron en todos los niveles del mercado.

Dior abrió su primer buque insignia fuera de París en Nueva York poco después de esa visita. La exposición del Museo de Brooklyn se abre con algunos ejemplos de las colecciones de Christian Dior en Nueva York, que se muestran junto con algunos de los originales de París del diseñador. Estas prendas estadounidenses eran prêt-à-porter de alta gama y no de alta costura, pero los ejemplos elegidos, no obstante, tienen un ímpetu y un drama considerables, diseñados para estilos de vida estadounidenses enérgicos y noches glamorosas en la ciudad que reflejan, como señala Müller, “un sentido de Hollywood de drama “. “Cuando estoy en Nueva York”, señaló Dior en ese momento, “deseo trabajar a la manera estadounidense… siento que soy un genuino modisto estadounidense en Nueva York, al igual que siento que soy un modisto francés en París. ” La sensibilidad de Nueva York se evoca inteligentemente en una agrupación de pequeños vestidos negros (Dior una vez declaró que podía trabajar felizmente solo en negro) que se muestran con obras de arte negras contemporáneas, incluida una sorprendente pintura de Ad Reinhardt, Sin título (Composición # 104), 1954 -1960; La dramática primera escultura de Louise Nevelson, Primer personaje, 1956; y una pantalla reluciente de Charles y Ray Eames con volutas que, como postula Yokobosky, sugieren los pliegues de una falda Dior.

Mientras tanto, una representación de Childe Hassam de 1900 de una escena invernal de una calle de Manhattan sirve como contraste para algunos elegantes trajes de Nueva York (uno apropiadamente titulado “Sherry Netherland”). Un retrato de 1912 de Giovanni Boldini, el valiente artista de la Belle Epoque cuya obra aplaudió Dior, se yuxtapone hábilmente con un conjunto diseñado por John Galliano para evocar una visión fantasmal de la madre de Dior. El vestido inspirado en el Ballet Russe de Galliano de su colección de homenaje a Marchesa Casati de la primavera de 1998 encuentra un complemento extraordinario en la obra modernista de Anne Estelle Rice The Egyptian Dancers, 1910. Asociar estas dos piezas fue, como dice acertadamente Yokobosky, “un momento muy Kismet”. El conjunto inspirado en el antiguo Egipto de Galliano de la primavera de 2004 (inspirado en un viaje aéreo que el diseñador tomó por el valle de Luxor), encuentra su propio complemento en una estatuilla de la diosa Hathor, 664-332 a. C.

Maria Grazia Chiuri, mientras tanto, colaboró ​​con el ícono feminista Judy Chicago para su colección de alta costura de primavera de 2020. La célebre obra del artista The Dinner Party, 1974-1979 está en exhibición permanente en el museo y es una de sus piezas estrella.

Un retrato recientemente adquirido por Elisabeth Vigée-LeBrun, la artista amada de la reina María Antonieta y de las cortes de Europa y Rusia de finales del siglo XVIII, encuentra eco en la levita de terciopelo escarlata de Raf Simons en una galería dedicada al romántico siglo XVIII. inspiración del siglo que informó la obra del propio Christian Dior y sus sucesores. Estas piezas se muestran sobre un fondo que evoca en una reproducción fotográfica el documento toile de Jouy del siglo XVIII que Dior eligió para su boutique Avenue Montaigne en 1947, con animales de corral y una belleza de Louis Seize en un columpio.

Otra galería documenta a los icónicos fotógrafos de moda que han grabado el trabajo de la Casa Dior durante ocho décadas, desde Avedon hasta Tyler Mitchell, incluida la Lillian Bassman, nacida en Brooklyn. El trabajo cinematográfico de Claude Chabrol, quien dirigió una película para la fragancia Poison de 1985, y David Lynch -para Fahrenheit de 1988- se celebra en un montaje de anuncios de cine y televisión de Dior.

La conmovedora galería del atrio central del museo, diseñada por McKim, Mead & White en 1913 para evocar la Santa Maria Della Pace 1504 de Bramante, es un escaparate apropiado para la colección de alta costura Primavera 2021 de Maria Grazia Chiuri, inspirada en un juego de cartas del Tarot del Renacimiento, y para guirnaldas. de vestidos inspirados en flores de Dior y todos sus sucesores. Las flores eran una pasión que corría en la familia: la madre de Dior, Madeleine, cultivaba jardines de rosas elaborados en la casa familiar, Villa Les Rhumbs, en la costa de Normandía, y su fascinante hermana Catherine, tema de una nueva biografía notable, Miss Dior, de Justine. Picardie, un héroe de guerra de la Resistencia, trabajó más tarde en Rungis, el mercado mayorista de flores de París.

La exposición termina con una galaxia de estrellas. Incluso los accesorios son contundentes y respiran con el lujo y la personalización de la alta costura. El bolso de noche de 1963 de Elizabeth Taylor, por ejemplo, incluye una sola violeta entre una ramita del característico lirio de los valles de Dior, a juego con sus ojos, por supuesto. El “zapato de salón” de terciopelo rubí de la duquesa de Windsor está bordado con el elaborado cifrado WW para Wallis Windsor. Las evocadoras imágenes de películas de esta sección incluyen a Rita Hayworth, nacida en Brooklyn, en un desfile de moda de Dior, y a Marlene Dietrich admirando vestidos de gala en los salones de París y luciendo la gasa de Dior y el avestruz en la película en 1950 Stage Fright. Aquí está Sophia Loren en el encaje de lentejuelas orientalista de Bohan para Arabesque, 1966; Olivia de Havilland girando en gasa amarilla en La hija del embajador de 1956; e Ingrid Bergman en lujoso satén en Indiscreet de 1958.

Los originales de Dior que se exhiben incluyen el primer vestido que Galliano diseñó para la casa: el vestido de satén de medianoche y encaje inspirado en la lencería que usó Diana, princesa de Gales, para asistir a la retrospectiva de Dior del Museo Metropolitano de Arte en 1996 (y complementado con el próximo a sea ​​el icónico bolso Lady Di). Aquí también está el vestido de satén chartreuse con ribete de visón de color beige que Nicole Kidman usó en los Premios de la Academia de 1997, y el vestido rosa de concha de Raf Simon con el que Jennifer Lawrence tropezó cuando iba a reclamar su Premio de la Academia 2013. Si se mira de cerca, la capa diseñada por Maria Grazia Chiuri para que Natalie Portman la use en los Premios de la Academia 2020 está bordeada con una cinta con los nombres de ocho directoras que no fueron nominadas esa temporada.

Los elegantes tocados a lo largo de la exposición son de Stephen Jones, quien ingeniosamente ha sugerido peinados de época y reproducido siluetas de sombreros de archivo, y en esta última sala evoca los personajes de los usuarios individuales con giros de cinta. “¡Por fin he hecho un sombrero para la princesa Grace de Mónaco!” Jones se regocijó mientras me mostraba los alrededores, “¡y uno para Josephine Baker, y para Liz Taylor!”

¿La pieza final de la exposición? Esa estrella de metal que Dior encontró en la acera.

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