7500 piezas y 5 meses de preparación: lo que se necesitó para crear Bridgerton


El nuevo drama de vestuario de Netflix, Bridgerton, es una pieza de época de color caramelo con una diferencia: un juego irresistible poblado de debutantes y dandies que se deshace de los grilletes del género, combinando casting diverso y romances queer con escenas de sexo que harían sonrojar a Jane Austen.

Creada por Chris Van Dusen, producida por la leyenda de la televisión Shonda Rhimes, y adaptada de las novelas más vendidas de Bridgerton de Julia Quinn, la serie de ocho capítulos comienza en el Londres del siglo XIX. En su centro está Daphne (Phoebe Dynevor), la hija mayor de la respetada familia Bridgerton, que se presentará a la Reina (Golda Rosheuvel) y entrará en el mercado del matrimonio. Junto a ella están las hijas de su desventurada vecina, Portia Featherington (Polly Walker), pero cuando no logran atraer pretendientes y Daphne llama la atención de un duque (Regé-Jean Page), las garras salen.

Para un espectáculo lleno de peleas en los bares y asignaciones secretas, los gorros y los sacos que inundan las figuras nunca servirían. En cambio, todos los personajes están llenos de joyas, plumas y galas, empeñados en brillar unos a otros. Hay vestidos de seda pintados en tonos pasteles helados, flores con brillo ácido, acres de volantes, mangas abullonadas con pedrería incrustada y pelucas que podrían rivalizar con las de María Antonieta.

La persona responsable de estos extravagantes atuendos es Ellen Mirojnick, nativa de Nueva York de 71 años, la prolífica diseñadora de vestuario detrás de éxitos de culto como Fatal Attraction (1987), Wall Street (1987) y Basic Instinct (1992). En 2013, se llevó a casa un Emmy por su trabajo en la deslumbrante película biográfica de Liberace de Steven Soderbergh Behind the Candelabra y siguió con creaciones espectaculares en The Greatest Showman (2017) y Maleficent: Mistress of Evil (2019). Con Bridgerton, vuelve a superarse a sí misma, transformando las siluetas familiares de la era de la Regencia en algo fresco y fantástico.

Antes del lanzamiento de Netflix del programa el 25 de diciembre, Mirojnick nos cuenta sus referencias y los detalles, desde los escotes curvos hasta las capas adicionales de tul, que exigen una mirada más cercana.

Diseñar para Bridgerton debe haber sido una empresa enorme. ¿Cuál fue tu punto de partida?

“Al principio, pensé que solo estaba ayudando. Yo hubiera sabido [Shonda Rhimes’s] Shondaland durante varios años y Sara Fischer, su jefa de producción, me llamó. Entré a hablar con Sara, [creator] Chris [Van Dusen] y [executive producer] Betsy [Beers] para ver si sería posible crear algo a esta escala. También conocía la estética de Shondaland y entendí que esto no iba a ser como una adaptación de Jane Austen. ¿Cómo podríamos cambiar la estética de un drama de época para que se sienta escandaloso y moderno? Luego me preguntaron si quería hacerlo y me uní porque el desafío era demasiado grande. Nunca antes había montado una casa de disfraces “.

¿Cuántos looks creó finalmente esta casa de disfraces?

“Nos llevó cinco meses prepararnos antes de empezar a rodar. El equipo de vestuario llegó a 238 personas. Esto incluye a los cortadores de patrones, el extraordinario Sr. Pearl, que fue nuestro fabricante de corsés, un departamento de sastrería, un departamento de adornos, bordadores y mi co-capitán John Glaser, entre otros. Era como una ciudad de elfos de Bridgerton trabajando continuamente y eran brillantes. Al final, había alrededor de 7500 piezas, desde sombreros hasta chales y abrigos, que componían el [estimated] 5.000 disfraces que pasaron ante la cámara. Por Phoebe [Dynevor, who plays Daphne Bridgerton] solo, había 104 disfraces. Ese es un gran número, incluso para un jugador principal “.

La autora de Bridgerton, Julia Quinn, ha compartido imágenes de su moodboard para el desfile, que incluye de todo, desde pinturas hasta looks de pasarela. ¿Cuáles fueron tus principales referentes?

“Observé el período de la Regencia en Londres a través de dibujos y pinturas. Lo probamos y luego se trataba de mirar las diferentes siluetas y formas sabiendo que esto tenía que ser aspiracional, en lugar de históricamente exacto. Sabíamos que teníamos que cambiar la paleta de colores y las fabricaciones, así que desde el siglo XIX, pasé de inmediato a las décadas de 1950 y 1960. La exposición Christian Dior: Designer of Dreams en [London’s] El Victoria & Albert Museum proporcionó una gran cantidad de inspiración. Miramos los vestidos de Dior, desde el New Look hasta la actualidad ”.

Si esa silueta clásica del imperio fue la base, ¿cómo la modificó para hacer que el mundo de Bridgerton fuera visualmente distintivo?

“Queríamos experimentar con él colocando capas sobre otras telas y adornos. Usando organza, organdí o tul, podríamos crear otra capa encima de los vestidos que le da una nueva sensación de movimiento y fluidez. Es casi como un truco del ojo que te hace verlo de otra manera “.

¿Es cierto que los gorros estaban prohibidos?

“No había gorros, pero los saludamos con nuestros accesorios para el cabello. Tomamos esa forma de media luna y creamos estas pajas [pieces] acentuado con flores o plumas que se sientan en la parte superior de la cabeza. Otro no-no fueron los vestidos de muselina. Tienen una flacidez que no queríamos “.

¿Qué otras técnicas sutiles usaste para hacer que estos trajes de época parezcan más modernos?

“Prestamos mucha atención a los escotes recogidos y cómo se ajustan al busto, en lugar de tener un [straight] línea que no te permite ver el cuerpo. Este espectáculo es sexy, divertido y mucho más accesible que el drama de época moderado promedio y es importante que la apertura de los escotes refleje eso. Cuando miras un primer plano, hay mucha piel. Exuda belleza “.

Como familia, los Bridgerton son increíblemente refinados. ¿Cómo perfeccionaste su estética?

“Son la familia prominente de la temporada social, así que queríamos que su paleta de colores fuera empolvada: estos azules pálidos, plateados y verdes que se sienten como susurros de color. Más tarde, a medida que Daphne envejece, los colores se vuelven más oscuros. Los rosas y azules son más ricos y los plateados se profundizan a medida que crece y madura. Empieza como una muñeca de porcelana y se convierte en mujer “.

En contraste, a los Featheringtons les encantan los patrones llamativos. ¿Qué tan divertido fue diseñar?

“Los Featherington son dinero nuevo y [the mother] Portia [played by Polly Walker] necesita casar a sus hijas. Ella marca la pauta para ellos como familia y su paleta de colores es demasiado cítrica porque quiere que esas chicas sean vistas. Puede que sea demasiado, pero no es a propósito. Ella piensa que se ven hermosos. Portia usa estos estampados y, a menudo, no estás seguro de si se parece más a Joan Collins o Elizabeth Taylor. Son más atrevidos, brillantes y descarados que los demás, y todo está demasiado adornado. Simplemente no conocen nada mejor “.

Teniendo en cuenta todos estos personajes excéntricos, ¿quién era tu favorito para vestir?

“Me encanta la reina Charlotte [played by Golda Rosheuvel]. La verdadera reina Charlotte fue conocida por no haber cambiado nunca su silueta desde que se convirtió en reina en el siglo XVIII. Entonces, fue bastante elaborado entre sus vestidos, los adornos y su cabello, que cambia todo el tiempo. Parece algodón de azúcar en todos los sabores imaginables. Para mí, ella personifica de qué se trata Bridgerton “.

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